30 septiembre 2014

Tal día como hoy se estrenaba La flauta mágica de Mozart







Hoy dedicamos nuestro blog a la ópera de Mozart La flauta mágica, que se estrenó el 30 de septiembre de 1791 en el Freihaus-Theater auf der Wieden de Viena bajo la dirección del propio Mozart, dos meses antes de su fallecimiento.


La obra es un singspiel (tipo de ópera popular cantada en alemán, en el que se intercalan partes habladas) y consta de dos actos siendo el autor del libreto en alemán Emanuel Schikaneder.


Cuando Mozart estrenó La flauta mágica tenía 35 años y sólo le quedaban dos meses de vida. El empresario teatral Emanuel Schikaneder pasaba apuros económicos y el compositor, gran amigo suyo desde los años de juventud y en su misma situación financiera, decidió escribir para él una obra que podría dar dinero. 

Al conocer que un teatro rival iba a estrenar otra ópera parecida, se modificó por completo la acción, dotándola de una significación simbólica supuestamente de acuerdo con ciertas prácticas masónicas, logia a la que según algunos autores pertenecían ambos.




Schikaneder fue el primero que interpretó a Papageno, mientras que el papel de la Reina de la Noche era interpretado por Josepha Hofer, cuñada de Mozart. 


Algunas de sus melodías son muy familiares, como el dúo de Papageno y Papagena, o el aria de coloratura de la Reina de la Noche titulada Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen (La venganza del infierno hierve en mi corazón) y el aria del príncipe Tamino.

Disfrutemos de la Obertura de La flauta mágica de Mozart...








29 septiembre 2014

La Orquesta Nacional de España crea su propio sello discográfico




La Orquesta y Coro Nacionales de España he creado su propio sello discográfico, con el objetivo de elegir los proyectos con mayor libertad.


El primer disco es una grabación en directo de Carmina Burana, de Carl Orff, en la que fue la última colaboración de Rafael Frühbeck de Burgos con la orquesta.

La parte vocal corre a cargo del contratenor Carlos Mena, la soprano Auxiliadora Toledano y los barítonos Jochen Kupfer y Ángel Rodríguez, acompañados por la Escolanía del Sagrado Corazón de Rosales.

Será a partir de 2015 cuando el sello propio de la Orquesta y Coro Nacionales continúe su andadura con lanzamientos periódicos de novedades y recuperación de patrimonio o reediciones de las mejores referencias del fondo discográfico.



26 septiembre 2014

El testamento original de Stradivari en Cremona





Desde hoy hasta el domigo día 28 de septiembre se podrá ver el testamento original de Stradivari en la nueva edición de la Feria Internacional de Luthería Clásica de Cremona.


En lugar de exponer instrumentos este año se expondrá como reclamo el documento original del auténtico testamento de Antonio Stradivari, cedido para el evento por parte del Archivio di Stato di Cremona, que es el ente que lo custodia y donde fue descubierto en el año 1999 por los expertos Carlo Chiesa y Duane Rosengard.

Stradivari redactó el testamento a partir del día 29 de enero del 1729, pero murió años más tarde, en 1737 a la edad de 93 años.


Por cierto, ¿conocéis el secreto de los violines Stradivarius? En un artículo anterior ya hablábamos de ello. Podéis verlo aquí.


24 septiembre 2014

Anne-Sophie Mutter inaugura la temporada de la Orquesta Nacional de España




La Orquesta Nacional de España inicia el viernes 26 de septiembre su temporada con la violinista alemana Anne-Sophie Mutter, que interpretará el Concierto para violín y orquesta nº1, de Bruch. 


Desde su debut en 1977 en el Festival de Salzburgo a las órdenes de su mentor Herbert von Karajan, Anne-Sophie Mutter ha alcanzado una gran madurez que demostrará en la ejecución de una de las piezas del repertorio violinístico que más virtuosismo exigen.


El concierto será dirigido por el director peruano Miguel Harth-Bedoya. 

Además, se interpretará la Sinfonía nº 9, “Del Nuevo Mundo” de Antonín Dvořák y Bach im Himmel, estreno del compositor Bernat Vivancos.

Más información aquí. 

22 septiembre 2014

Entrevistamos al compositor y director Ferrer Ferran





Hoy tenemos el honor de entrevistar en nuestro blog al compositor y director Ferrer Ferran.


El Regalo Musical ¿Cómo se inició en la música?

Ferrer Ferran Yo vengo de tradición musical, mi padre era músico, un músico de los de aquella época de los años 60, músico de “orquestina” que sobrevivían tocando en bailes, etc. Mis dos hermanos mayores también son músicos y yo al ser el más pequeño…, pues no iba a ser menos.
Siempre desde joven y cuando empecé a tocar el piano recuerdo improvisar canciones, temas o motivos, de esto te hablo cuando tenía 8 años.
Supongo que desde entonces ya tenía la necesidad de crear, de inventar o de pronunciarme con el lenguaje de la música…

Yo hice mi carrera como todos los estudiantes del momento, comencé con el piano, en breve me incorporé a la banda con el bombardino y más adelante fue la percusión la que también estudié. Me titulé en piano y percusión.

A su vez continuaba los estudios teóricos de todo lo que se nos ofrecía en el conservatorio, armonía, contrapunto, composición, dirección, todo lo que había. Yo curso tras curso iba haciendo y todo lo estudié.

Mis primeros contactos profesionales fueron como intérprete de piano, paralelamente llevaba el tema de la dirección que desde los 15 años comencé a dirigir la banda juvenil donde yo era músico y a los 18 ya me atreví a dirigir  una banda fuera de mi entorno estudiantil. Aunque la predilección, por ese momento, era el piano como instrumento en la cual desarrollaba una actividad profesional. Recuerdo recorrer toda le geografía española haciendo mucha música de cámara.

Del mismo modo a los 18 años ingresé como profesor en el conservatorio, lo cual llevaba la docencia paralelamente. De ahí surgieron viajes al extranjero para formarme como compositor y director, viajes de ida y venida, porque mi actividad en el conservatorio no me permitía estancias largas. Y con esto me forme con muchos profesores, donde la música la veían y trataban de diversas formas, lo cual toda esta enseñanza fue necesaria para yo cultivar un pensamiento musical propio.

Si tuviera que citar algún profesor que me abrió la mente musical por un camino diverso a lo conocido, este fue el holandés Jef Penders, de él aprendí, disciplina, seriedad, amar la música, penetrar en ella, respeto…, un sinfín de valores que no se preciaban en otros lugares que habituaba a estar. Quizá surgió una buena química entre él y yo y por esto me hizo descubrir que la música no sólo era la interpretación o la visión de esos 12 sonidos, sino el interior, el “alma” de todos ellos.

No sería justo no nombrar al resto de profesores que también marcaron un punto en mi carrera, como lo son: Amando Blanquer, Eduardo Cifre, Manuel Tomás, Perfecto García Chornet, y otros muchos.

Con toda esta formación  y después de tantos conciertos realizados con el piano, e influenciado por Jef Penders, vino la época de escribir música, de componer. Esta dedicación que comenzó siendo un juego, se convertía en una necesidad. Mi música se interpretaba, daba placer, me pedían obras, me encargaban, sentía que estaba aportando cosas interesantes con la música, lo cual todo esto me “enganchaba” para desarrollar profesionalmente en primer lugar la composición.

Hoy en día ya es, para mi, una necesidad vital de comunicación y de trasmitir sentimientos.


E.R.M. Como compositor, es autor de numerosas obras, música sinfónica, camerística, etc. ¿cómo consigue tanta inspiración?

F.F. Me siento muy feliz haciendo música, no deja de ser una necesidad de todos los días como una energía que debo extraerla de mi. Como me decía mi maestro, “la música debe salir del corazón”, los elementos técnicos para la elaboración de las obras son necesarios pero siempre al servicio de la “música”, el mensaje final o resultante es el necesario, la emoción es el elemento más primordial, me gusta conseguir que el intérprete y el público se sobreexcite y sienta una paz cuando escucha mi música.

Si componer me hace feliz, saber que el público e intérprete es feliz cuando escucha mi música me hace doblemente satisfecho, es el objetivo cumplido. Esta es la mayor motivación que me encuentro todos los días, hacer algo provechoso evolucionando la música y motivando a las personas en su afán de satisfacción.


E.R.M. Usted es Catedrático de Composición, ¿qué consejos daría a los jóvenes estudiantes de composición?

F.F. Que aprendan a comprender el mensaje de la música. La música es una “magia” que cada uno debe encontrarla por sí mismo ayudado y motivado por sus guías o profesores.

Que crean en ella, porque esta les hará feliz, y que también crean en sus educadores, porque estos son músicos más experimentados que llevan por delante mucho más camino recorrido y esto hará que ellos puedan alcanzar los “atajos”, sin impedimentos y “baches”.

Y lo más primordial es, que sean buenas personas, humildes y que traten de ayudarse unos a los otros. Todos sabemos un poco de mucho y al unir todas nuestras energías, el producto será más satisfactorio y placentero.

”La música es la mejor amiga que te puedes encontrar, nunca te va a defraudar, siempre te va a ofrecer un mensaje de paz, felicidad y de entusiasmo”. 

Deben creer en esto, siempre te acompañará y te ilusionará, y la vida sin ilusión no es vida. Hay que ser constante, perfeccionista y organizado, marcando estas disciplinas el estudiante de música conseguirá lo que se proponga. Mi consejo es que se cautiven en ella porque siempre tendrán ese lugar encantado para regocijarse y encontrar esa felicidad que la música nos brinda.
“Continuar en este arte, que conseguiréis una satisfacción que difícil es de encontrar en otros estados”


E.R.M. Sus obras son de obligada interpretación en numerosos concursos nacionales e internacionales, ¿cómo lleva la responsabilidad de ser un referente de la escritura compositiva para banda?

F.F. Mi música es muy solicitada, ésta se interpreta con bastante regularidad en todo el mundo. Entonces tengo un compromiso social con el intérprete, tengo que servirles de algo que les hace feliz. 

Pero el mayor compromiso, y siempre ha sido un “mandamiento” que yo me he propuesto, es hacer siempre buena música. Una música bien construida con coherencia y buena técnica, pero primordialmente que siempre exista “música” en mis trabajos.

Nunca me gustaría transmitir stress…, realmente con mi música quiero ofrecer paz, una sensación de bienestar y felicidad, quiero divertir con mi música tanto al interprete como al oyente…, en definitiva transmitir “placer”.

Lo primero que hay que conseguir es este sello particular, este “definir” tu música y que sea reconocible. Esto se consigue trabajando, pero trabajando mucho. Produciendo a diario, creo que es la única manera de conseguir ese sello particular. La constancia y persistencia son unos valores necesarios para el bien de todos los trabajos. Esto hace posible ser uno mismo, conocerse hasta el fondo.

Yo pienso que con mi lenguaje, dentro de la literatura para orquesta de vientos y percusión, ha habido un antes y un después. Esto significa que he conseguido una evolución, una innovación. Me ha gustado “fusionar” varias estéticas, lo cual ha habido novedad para el “instrumento banda”. He trabajado duro con esta estética y he conseguido sacar colores que antes no existían. Las generaciones siguientes ya han utilizado estas técnicas y por supuesto ellos también han innovado en otras.

Todos los compositores somos necesarios para evolucionar el lenguaje, aportando cada uno de ellos ese “pequeño granito de arena”.

Con mi fusión me he encontrado muy bien trabajando, el resultado es magnífico y creo que todavía falta evolucionar este y es por esto que continuo trabajando en ello.

Siempre he tratado que mi lenguaje tenga valor, quiero decir valor a que este sea exclusivo. La música que sale del interior de la persona “la música construida con el corazón” es única, pretendo decir con esto, que si dos compositores componen de esta manera, crean una música particular en cada uno de ellos. A diferencia de los que componen sobre una base técnica utilizando métodos del “azar”, el resultado que se forma no es particular, es consecuencia de esos métodos, que si esta base técnica es utilizada por varios compositores, aunque el lenguaje sea diferente el “color” es el mismo. Lo cual, a mi modo de ver, y es una opinión muy particular, no tiene valor. Cualquier compositor que disponga de técnica puede crear, pero no puede alcanzar y transmitir esa “pasión” tan particular.

Con todo esto tengo muchos seguidores, alumnos que están investigando y trabajando en esta línea para conseguir esa emoción necesaria en el arte, el transmitir “magia”, a ellos les encanta y ven que el resto disfruta de esta labor. Yo debo continuar pronunciándome en este camino, y enseñar y mostrar todo aquello necesario para conseguir este fin.




E.R.M. Dedica también mucho tiempo a la dirección de bandas, ¿qué le aporta dicho trabajo?

F.F. El dirigir es un trabajo paralelo, no necesario pero en el mismo sentido. El director debe ver aquello que no está en la partitura, el interior de esta, que realmente es el pensamiento del compositor.

Yo me formé en ambas especialidades, si la de componer es emocionar escribiendo, la de director es la de emocionar sacando todo lo que allí está escrito para transmitir, en primer lugar al intérprete y después a un público. Las dos facetas me apasionan, y por supuesto ambas son necesarias, no se podría dirigir si no existe la música escrita.

El dirigir me hace estar más cerca del intérprete, ver sus necesidades e inquietudes para yo después enfrentarme a ese “papel en blanco”, de este modo consigo componer una música quizá, más a la medida de la necesidad del momento, tratando de evolucionar siempre para llevar a las bandas de música a conseguir ese “sinfonismo” que deseo en estas orquestas, para que así ocupen ese lugar de concierto y trasladarlas a los auditorios de prestigio, y por supuesto, que no tengan que “envidiar” a las orquestas sinfónicas que ocupan ese lugar “privilegiado”.

Las bandas u orquestas de viento ya lo están consiguiendo, ahora mismo se escribe con más elaboración e interés composiciones para estas formaciones, sinfonías, poemas sinfónicos, etc., de niveles altísimos en cuanto a composición, sin desmerecer para nada a estas agrupaciones de viento y por supuesto, ya ocupando su espacio en los auditorios.


E.R.M. Usted es Principal Director Invitado de la Banda Sinfónica “Simón Bolívar” de Venezuela, ¿qué destacaría de dicha actividad? 

F.F. El primer programa que hice fue entre otras mi 3ª Sinfonía “The Great Spirit”, un reto importante para ellos porque no habían interpretado una obra tan difícil, fue fenomenal el trabajo realizado y quedaron muy satisfechos de mi presencia, tanto es así que me nombraron principal director invitado. 
Para mi ese hecho fue muy satisfactorio y su propuesta fue, que yo acudiera dos veces al año a dirigir un programa, lo cual les informé que eso era imposible para mi por mi apretada agenda y sólo les pude complacer haciendo un solo programa por temporada, que aceptaron quedando así el trato.

Siempre he tratado de hacer un repertorio sinfónico de alta calidad, sirviendo de reto e interpretándolo con la mayor calidad posible, visto desde el punto de vista del creador que es el que más a fondo conoce la partitura. Esto les aporta mucho, estar cerca del compositor y explicarles como se concibe una obra, como se escribe. Porque y de que manera, y como deben afrontar una partitura para interpretarla con la máxima perfección posible, tratando de emocionar y transmitir la “magia” que el compositor trata de plasmar en su escritura.

El trabajo es muy duro. Ellos ensayan todo el día desde las nueve de la mañana y hasta las seis de la tarde, con sus descansos, claro, así han pasado toda su vida desde que tienen 6 años y les dan un instrumento. Sus edades rondan desde los 17 años y hasta 26 más o menos.

Yo trataba de dirigir el trabajo, allí está el director titular, su asistente, también los jefes de cuerda, con todo este equipo podía hacer “seccionales” como ellos dicen, haciéndose cargo todo este equipo de jóvenes, que lo más grande, debo decir, es la ilusión por trabajar, hacer música y sacar lo máximo de ellos mismos.

El resultado es espectacular, porque tratan de hacer muy bien su trabajo, sus conciertos, sus expectativas son muy altas y tratan de conseguirlo. Es un poco lo que decía antes. Allí en Venezuela priman las orquestas sinfónicas y ya con esta banda, la primera formada en el país, quieren que se comporte del mismo modo que las orquestas. Conciertos con seriedad, los auditorios llenos de publico y los programas muy estudiados para darle ese “sinfonismo” que tan perfectamente pueden hacer las orquestas de viento.


E.R.M. ¿Cree que las redes sociales son una buena plataforma para difundir la música clásica?

F.F. Por supuesto que sí. Las redes sociales son una herramienta que nos acerca al mundo. Todavía recuerdo enviar paquetes de partituras a Colombia costando mucho dinero el envío, por el peso, y además tardaba como dos meses en llegar, porque se enviaban por barco. Hoy el envío es por mail, y en segundos llegan las partituras y a coste cero.

Esto es solo un pequeño ejemplo de cómo ha evolucionado la promoción y la divulgación de las obras.

Me hace muy feliz ver como mis mismos alumnos, que prácticamente no se les conoce, por su temprana edad y poco catálogo, ya son interpretados por todo el mundo, y esto no cabe duda, que es porque con todas las redes sociales, ya no hay distancia, todos estamos cerca y con un click nos enteramos de las últimas novedades escritas y de lo que se necesita en cada momento para interpretarse en concierto.

Indiscutiblemente una herramienta necesaria hoy en día.





E.R.M. ¿Cuáles son sus próximos proyectos?

F.F. Como compositor ahora mismo estoy trabajando en un “Vals” sinfónico que estreno el próximo mes de Noviembre, este va a ser “belleza pura”. 
Tengo tres encargos más que me vienen de Italia, el más inmediato es una fantasía que se titulará “ Chanson per el novel an”, que se estrena el próximo mes de Enero de 2015 y también en el mismo año pero en abril se estrenará un concierto que llevará por título “Davide e Golia” y para 2016 un Cuento Sinfónico titulado “Il Gatto con gli Stivali”.

Como director, ahora mismo escribiendo esta entrevista me encuentro en Portugal porque dirijo este sábado aquí en la ciudad de Torres Novas. El próximo día 3 de octubre dirijo en el Palau de la Música de Valencia a la Orquesta Sinfónica de Valencia, y en el próximo año ya tengo dos conciertos en Italia. Y así digo todo esto de memoria, porque seguro que alguna cosa hay más por ahí que no recuerdo.


E.R.M. ¿Qué obra elegiría como regalo musical para nuestros lectores?

F.F. Cualquiera podría ser perfecta, pero prefiero dedicaros mi suite sinfónica PINOCCHIO o el Cuento Sinfónico LAS AVENTURAS DEL PRINCIPITO, porque estas dos están llenas de emoción y consiguen trasmitir felicidad y humanidad, elementos necesarios que nos hacen falta en el mundo de hoy en día.

Muchas gracias por haberme brindado esta oportunidad de trasmitiros mis inquietudes y comunicarme en vuestro espacio con todos los amantes de la música. 
De verdad que me hace muy feliz todo esto. MUCHAS GRACIAS


Disfrutemos de la maravillosa música de Ferrer Ferran...





Agradececemos profundamante a Ferrer Ferran su amabilidad y su tiempo para concedernos esta entrevista.



19 septiembre 2014

La música clásica en directo puede mejorar la imaginación y concentración de los niños





Un nuevo estudio realizado por la profesora Sue Hallan, del Instituto de Educación (OIE) de la University of London, constata que escuchar música clásica en directo tiene un efecto beneficioso para los niños, mejorando su capacidad de escuchar y de concentración, favoreciendo su destreza para captar detalles y diferencias. 


Aunque se pueda creer que la música clásica no atrae a los niños, lo cierto es que no es así, ya que están más abiertos a estas piezas musicales de lo que los adultos imaginan.


Esta investigación determinó que los niños que están en los primeros cursos de Primaria no desarrollaron ningún prejuicio contra la música clásica. De hecho, les atrajo y contribuyó a que pasados los años apreciaran una gama más amplia musical, además de tener otros efectos beneficiosos en su concentración y autodisciplina.

Los niños pudieron escuchar diferentes obras de varios autores de música clásica como Beethoven, Haydn, Mozart, Ravel, Shostakovich y Mendelssohn, si bien la complejidad de las piezas musicales que se escuchaban iba aumentando en dificultad conforme avanzaba el proyecto.

Una dificultad ante la que se puso de manifiesto que los niños iban siendo capaces de escuchar con atención los movimientos completos de cuartetos de cuerda y de sinfonías, llegando a un nivel de concentración y disfrute que los investigadores han calificado de increíble.

Estas audiciones han permitido constatar que se contribuye a desarrollar la capacidad de escucha de los niños, siendo más atenta, aparte de mejorar su habilidad para captar detalles y las diferencias de sonidos. 


Nosotros, como profesores, somos conscientes de todos estos efectos, por lo que desarrollamos diferentes Talleres y Actividades Musicales.


Si deseas ampliar información, aconsejamos el interesante libro "Cómo potenciar la inteligencia de los niños con la música".

¡Aprovechemos los beneficios de la música!

17 septiembre 2014

La genética y el talento musical





Hoy nos hacemos eco en nuestro blog de un reciente estudio publicado en Psychological Science, y en el que han participado las universidades suecas de Umeå y Karolinska, que demuestra la importancia de lo genético a la hora de tener habilidades musicales.


Esta investigación, coordinada por los profesores Miriam A. Mosing, Guy Madison, Nancy L. Pedersen, Ralf Kuja-Halkola y Fredrick Ullén, se centró en las habilidades musicales que pudieran tener diferentes gemelos y para ello encuestaron a 1.211 gemelos univitelinos (aquellos que son monocigóticos) y a 1.358 bivitelinos.

A todos los gemelos se les preguntó si tocaban un instrumento musical o practicaban canto y que hicieran una estimación de las horas que habían dedicado a ello. 
Según el tiempo dedicado se les agregó un coeficiente para poder realizar una comparación y después se evaluaron sus habilidades mediante tres pruebas de dificultad ascendente, y que partían desde cosas más sencillas como diferenciar el tono de dos notas, hasta otras más complejas como detectar pequeñas variaciones en la melodía.


Los resultados fueron sorprendentes porque, ya que la experiencia musical no influyó en los resultados. No había demasiadas diferencias entre un hermano y el otro pese a las desiguales horas de práctica. Incluso, en un caso en el que un gemelo había practicado muchas más horas que su hermano los resultados que cosecharon ambos fueron similares.


Lo que también significó una sorpresa fue descubrir que entre las personas que más tiempo practicaban había varios rasgos genéticos coincidentes, por lo que parece posible que la motivación a la hora de tocar un instrumento o cantar pueda estar vinculada con la genética.


Esta investigación sueca no trata de decir que la práctica no sirve de nada, ya que afirmar eso no se correspondería con la realidad. Pero lo que sí que destaca es que al igual que, por ejemplo en los deportes, el talento innato y la genética condicionan enormemente los resultados finales. 



15 septiembre 2014

Entrevistamos a la pianista Rosa Torres-Pardo





Hoy tenemos el honor de entrevistar en nuestro blog a la pianista Rosa Torres-Pardo.


El Regalo Musical ¿Cómo fueron sus comienzos musicales? 

Rosa Torres-Pardo La música hizo pronto aparición en mi vida a través de la danza ya que mi madre cantaba y bailaba para mi hermana y para mi con frecuencia. Ella había estudiado con un profesor ruso al que recordaba con admiración. Fui afortunada de los profesores que tuve en el conservatorio de Madrid como Joaquín Soriano, gran artista y concertista, Mº Teresa de los Angeles, Pedro Espinosa o Gloria Olaya. 



E.R.M. ¿Qué supuso para usted ganar el Premio Masterplayers de Lugano? 

R.T-P. Un premio es un estímulo en varios sentidos, uno el de la preparación, después el de seguir luchando con más ánimo y con más reconocimiento. Por otra parte, se conocen artistas de otros países con lo que se aprende y se amplían fronteras. No obstante nunca me han gustado los concursos pues creo que el camino que debe recorrer un artista debe ser de otra clase, y no el de tocar más rápido o fuerte, ni siquiera el de ser el más perfecto. 



E.R.M. ¿Qué consejos daría a los jóvenes estudiantes de piano? 

R.T-P. Primero, escucharse a si mismos. Uno sabe perfectamente si se debe a la música o no, ya que se es músico o no se es. Es difícil, pero es importante no darse por vencido y saber que se es capaz de muchas cosas con voluntad y determinación, siempre siendo fiel a uno mismo, a lo que piensa y siente. Se aprende mucho viendo a los grandes artistas en los conciertos, en video, se aprende de los compañeros, pero al final uno tiene que ser uno mismo. 






E.R.M. Ha grabado para diferentes sellos discográficos, ¿qué le aporta dicha actividad? 

R.T-P. Somos intérpretes y siempre hacemos conciertos en vivo y en directo. Tener grabaciones nos sirve a los músicos para que aquello que hemos hecho quede en el tiempo, para darnos a conocer, al final es algo bonito de lo que se aprende, dejando además constancia de lo que hemos sido ( para bien ,,, o para mal) 



E.R.M. Usted realiza innumerables conciertos por las más importantes salas de todo el mundo, ¿cómo se organiza? 

R.T-P. Me he pasado la vida estudiando. Realmente cuando mejor me he sentido ha sido en gira, cuando solo cuenta la música y cosas como la burocracia y otros detalles de la vida cotidiana desaparecen. Uno acaba organizándose bien para lo que cuenta más para un músico, que es la música. Lo realmente difícil es combinar estas últimas cosas con el estudio.



E.R.M. ¿En qué género o estilo se encuentra más a gusto tocando? 

R.T-P. Siempre me gustó la música rusa, creo que tiene que ver con el carácter de nuestro país, lleno de energía y melancolía, y como no, los españoles como Granados, Falla, Albéniz. 
Con el tiempo he ido aprendiendo, cambiando y otros repertorios que me resultaban más alejados de mi espíritu, como la música de Soler han ido encontrando su lugar. Uno toca bien lo que admira y va amando. 
La lista es larga, ¿cómo no adorar a Beethoven y querer interpretarlo? o los grandes románticos del piano como Schumann o Brahms? 



E.R.M. Cuenta con el festival de música Encuentros con Rosa Torres-Pardo, creado por el pintor Eduardo Arroyo, ¿qué destacaría de dicho festival? 

R.T-P. Que ha sido un verdadero milagro haber cumplido ya 17 ediciones junto al tenor Enrique Viana, gracias a la generosidad de todos mis amigos músicos y gracias a la acogida de Eduardo Arroyo en Robles. Y por supuesto de todo ese público que no nos ha fallado nunca. Es un lugar donde la magia siempre acaba surgiendo y donde todos quieren volver. 





E.R.M. ¿Qué música escucha cuando desea relajarse? 

R.T-P. Precisamente lo que hago para relajarme es no escuchar música, jaja, pero me gusta mucho la música de cámara, y sobre todo la voz y el lied alemán, o escucho a las grandes divas del jazz como Ella Fitzgerald, Carmen McRae, o con canción italiana y me refiero a Mina, Ornella, Lucio Dalla,,, toda una época, o ¡mismamente Sabina! 



E.R.M. Para finalizar, ¿qué obra elegiría como regalo musical para nuestros lectores? 

R.T-P. ¿Que tal los 6 quintetos para cuerda y tecla de Antonio Soler? Una música deliciosa que partiendo del barroco español es toda una novedad ya que no se conoce en absoluto.



Disfrutemos de Rosa Torres-Pardo...








Agradecemos enormemente a Rosa Torres-Pardo su amabilidad y su tiempo para concedernos esta entrevista.


12 septiembre 2014

Dos años de clases de música mejoran las habilidades de lectura y lenguaje en los niños




Especialistas de Northwestern, en Illinois (EE.UU.), han confirmado el efecto biológico que tiene la música sobre el sistema nervioso de los niños. 

Según se señala en el trabajo, publicado en la revista The Journal of Neuroscience, dos años de clase de música contribuyen a mejorar la precisión con la que los cerebros en desarrollo distinguen sonidos similares del habla, en un proceso que se vincula a las habilidades de lectura y lenguaje.


Nina Kraus, profesora de la Escuela de Comunicación y Neurobiología y Fisiología en Northwestern, señala que las clases de música tienen la capacidad de remodelar el cerebro de los niños, mejorando el procesamiento del sonido.

Para llegar a estas conclusiones se involucró a niños de entre 6 y 9 años que participan en el proyecto Harmony, una iniciativa que lleva más de una década proporcionando clases de música gratuitas a niños de Los Ángeles (California). 

Para evaluar sus cambios se utilizó una sonda neural rápida, pero de gran alcance, lo que permitió a los expertos calibrar el procesamiento del habla con una gran precisión.

Como consecuencia de los cambios apreciados, Kraus afirma que “la música puede tener un impacto profundo y permanente en la escuela y el aprendizaje”.

En un artículo anterior, ya hablábamos de los beneficios que tiene la música en los niños.

Si quieres ampliar información, recomendamos el libro "Cómo potenciar la inteligencia de los niños con la música".



10 septiembre 2014

Recordamos al tenor Alfredo Kraus





Hoy recordamos en nuestro blog al tenor canario Alfredo Kraus, que fallecía tal día como hoy en 1999, a los 71 años.

Nacido el 24 de noviembre de 1927 en Las Palmas de Gran Canaria, inició sus estudios musicales de piano a los cuatro años de edad y cantando en el coro del colegio a los ocho. 


Debutó internacionalmente en el Teatro Real de El Cairo en 1956 con el papel del Duque de Mantua en la ópera Rigoletto de Verdi y con el papel de Mario Cavaradossi en la ópera Tosca, de Puccini. 

Dos años después, el 27 de marzo de 1958, en el Teatro Nacional de São Carlos de Lisboa se presenta junto a Maria Callas, en una legendaria producción de la ópera La Traviata.


Kraus también fue un destacado intérprete de zarzuela.

Fue profesor de tenores como Aquiles Machado, Giuseppe Filianoti o Mario Frangoulis. 

Recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1991.


Disfrutemos de la magnífica voz de Alfredo Kraus…






08 septiembre 2014

Tal día como hoy nacía el compositor Anton Dvorak




Hoy dedicamos nuestro blog al compositor checo Anton Dvorak, que nacía el 8 de septiembre de 1841.


Inició sus estudios de música en Zlonice en 1853, prosiguiéndolos en Praga. Asimismo, tocó la viola en una orquesta hasta 1871, iniciando su actividad como compositor. El primer éxito alcanzado en este ámbito fue un Himno con texto de Hálek. Gracias esta obra obtuvo el cargo de organista de la iglesia de San Etelberto, que conservó hasta 1877. 


A estos años pertenecen el Stabat Mater y otras composiciones sinfónicas y vocales, pero sobre todo para conjuntos de cámara. 
La música de Dvorak conoció entonces mayor auge, publicando las Danzas eslavas y las primeras Sinfonías. 


En 1892 acepta la invitación de marchar a Nueva York. Allí escribió una de sus obras más famosas: la Sinfonía del Nuevo Mundo.

Pero la nostalgia de su país, le hizo regresar a Praga, donde volvió a ocupar el cargo de profesor de composición del Conservatorio, alcanzado en 1891. 

Dvorak fue nombrado doctor "honoris causa" en las Universidades de Cambridge, Viena y Praga.


La obra de Dvorak es muy variada: desde la ópera a la música de cámara pasando por la música sinfónica, terreno al que dedicó más atención. 

Falleció el 1 de mayo de 1904. 


Disfrutemos de la maravillosa música de Anton Dvorak…







06 septiembre 2014

Recordamos a Luciano Pavarotti





Hoy dedicamos nuestro blog al tenor italiano Luciano Pavarotti, que fallecía tal día como hoy en 2007, a los 71 años.


Nacido en  Módena en 1935, cursó estudios en la "Scuola Magistrale". En 1955 empezó a dar clases de canto con Arrigo Polo y Ettore Campogalliani, y antes de dedicarse profesionalmente a la ópera se licenció en Magisterio y trabajó en la enseñanza. 

La primera vez que cantó fue en el coro de Modena junto a su padre, gran amante de la ópera. Hizo su aparición ante el público en 1961 en La Bohème, ganando popularidad rápidamente. 
En 1963 cantó Edgardo (Lucia di Lammermoor) en Amsterdam. En 1964 hizo su debut en Covent Garden como Rodolfo.  

Su primera actuación en Estados Unidos fue en Miami, en el año 1965.

Realizó una gira por Australia con la compañía Sutherland-Williams y debutó posteriormente en La Scala de Milán.

La transmisión televisiva de 1977 “En vivo desde el Met” situó a Pavarotti ante la mayor audiencia en la historia de las óperas televisadas. Durante la década de 1980 y a principios de la de 1990, se hizo popular en todo el mundo debido a sus frecuentes recitales populares. 


Las actuaciones junto a los tenores José Carreras y Plácido Domingo, también fueron famosas y lo hicieron recorrer el mundo, estando entre sus más exitosos conciertos el presentado en Roma (1991) y el de Los Angeles (1994) bajo el nombre de "Los tres tenores"





Luciano Pavarotti fue figura clave en la popularización de la ópera, obteniendo un Grammy al mejor cantante clásico (1991).

Su nombre aparece en el Libro Guinness Record por la gran ovación de una hora y siete minutos que le tributó la Opera de Berlín en 1988. 



"Pienso que una vida dedicada a la música es una vida bellamente empleada, y es a eso a lo que he dedicado la mía." Luciano Pavarotti



Disfrutemos de la inolvidable voz de Luciano Pavarotti…